Nació con el nombre de Ephraim Goldberg en Toronto, Canadá, pero adoptó más tarde la nacionalidad estadounidense. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Se graduó en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.

En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.

Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego devolúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado unedificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey, En el 2004 diseñó el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.

Premios

Museo Guggenheim, Bilbao..

Museo Guggenheim de noche, Bilbao..

Casa Danzante, Praga..

En reconocimiento a su labor, Frank Gehry ha recibido numerosos y prestigiosos premios y distinciones, como las siguientes:

• 1977 – Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture (American Academy of Arts and Letters.)
• 1989 - Premio Pritzker.
• 1992 - Premio de la Fundación Wolf de las Artes (Arquitectura).
• 1992 - Praemium Imperiale Award for Architecture, de la «Japan Art Association».
• 1994 – Premio Dorothy and Lillian Gish.
• 1998 – National Medal of Arts (AEB).
• 1998 – Premio Friedrich Kiesler.
• 1999 - Medalla de Oro del AIA, American Institute of Architects (AEB).
• 2000 – Medalla de Oro, Royal Institute of British Architects.
• 2002 – Gold Medal for Architecture (American Academy of Arts and Letters).
• 2002 – Companion of the Order of Canada.
• 2003 – Medalla de Plata de Caldes de Malavella
• 2008 – Medalla de la Orden de Carlomagno del Principado de Andorra (luego la rechazó)

Obras representativas

Sala de Conciertos Walt DisneyLos Ángeles, EE. UU.

Museo de Arte Weisman.

• Casa Frank Gehry (California)
• Museo Guggenheim de Bilbao, Bilbao, España.
• Hotel Marqués de Riscal, Elciego,(Álava) España
• Casa Danzante, Praga, República Checa.
• Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania.
• Centro Stata, Instituto Tecnológico de Massachusetts, Boston, EE. UU.
• Edificio Peter B. Lewis, Cleveland, Ohio, EE. UU.
• Escuela de Management Weatherhead, Cleveland, Ohio, EE. UU.
• Centro de Exposiciones, Columbia, Maryland, EE. UU.
• Centro postal Merriweather, Columbia, Maryland, EE. UU.
• Sede principal de Rouse Company, Columbia, Maryland, EE. UU.
• Centro Maggie’s Dundee, Dundee, Escocia.
• Torre Gehry, Hanóver, Alemania.
• Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles, EE. UU.
• Universidad de Minnesota, Minneapolis, Minnesota, EE. UU.
• Museo de Arte Frederick Weisman, Minneapolis, Minnesota, EE. UU.
• Pabellón Jay Pritzker, Chicago, Illinois, EE. UU.
• El Pez dorado en el Puerto Olímpico de Barcelona.
• Vitra Design Museum en Weil am Rhein.
• Museo de la Biodiversidad en la ciudad de Panamá.

Miscelánea

• El director Sydney Pollack dirigió un documental en 2005 sobre la obra y el trabajo de Frank Gehry titulado Sketches of Frank Gehry (en español, Apuntes de Frank Gehry).
• En 2009 Frank Gehry diseñó un sombrero para la artista pop Lady Gaga con motivo de un musical benéfico, colaboración entre Lady Gaga y Francesco Vezzoli, celebrado en Los Ángeles en Noviembre de 2009.
• En la serie Los Simpson, aparece en un capítulo como el diseñador de una Sala de Conciertos que acababa convertida en prisión.

Imágenes de otros edificios del arquitecto

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  Vestíbulo del DG Bank

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  Centro Stata

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  Edificio Peter B. Lewis

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  Pabellón Pritzker

Sin estudios básicos, aprendió a leer por sí mismo. Entre los nueve y once años combinaba su trabajo como ayudante de una tienda con su afición con las tallas de madera, parte importante de la cultura popular de su país.

Un día llama la atención de un filántropo que le paga sus estudios en la Escuela de Arte y Oficios en Craiova (ciudad del distrito Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Bucarest desde 1898 hasta 1901. En 1903 realiza su primer encargo: un busto del general rumano Carol Davila.

Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios, mientras lavaba platos en un restaurante o cantaba en ceremonias de la Iglesia ortodoxa rumana. Como estudiante de arte coincidió y se vio influido por Auguste Rodin y el Impresionismo. Se muestra como uno de los primeros artistas del arte moderno. En 1909-1910 trabajó con Amedeo Modigliani.

En 1912 el Salón Oficial de Bucarest le otorga el primer premio de escultura y participa en el Salón de los independientes en París. En 1913, presenta en Nueva York, Chicago y Boston Mademoiselle Pogany.

Es ya en 1924 cuando visita Rumania, mundialmente reconocido. En 1926 y 1928 viaja nuevamente a Estados Unidos.

En 1952, obtuvo la nacionalidad francesa y donó al Museo de Arte Moderno de París su taller, con casi cien esculturas.

En 1955 presentó una retrospectiva de su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York.

Tenía una amplia gama de intereses, desde la ciencia hasta la música. De hecho, era un buen violinista y solía tocar canciones populares rumanas. Entabló amistad y contactos con una parte del círculo intelectual y social de París como Erik Satie o Marcel Duchamp, Pablo Picassoo Guillaume Apollinaire, además de otros rumanos como Emil Cioran.

Bracusi murió en París el 16 de marzo de 1957. Se encuentra enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Obra

Obras de Brâncuși en el Museo de Arte Moderno de París.

Aunque de origen rumano, se desarrolló y se dio a conocer en París. Está considerado como uno de los grandes escultores del siglo XX. Su obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura, pintura o diseño industrial.

Su obra, 1200 fotografías y 215 esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad distinta. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIX para dar paso al arte abstracto que se abría camino.

Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano,¹ intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado.

Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en el espacio. Entre otras obras de Brancusi se encuentran: Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo del mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933), El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).

Conjunto escultural de Târgu-Jiu

En Targu Jiu hay un conjunto escultural Constantin Brâncuşi que se considera la cima de su carrera. En 1938 presenta la Columna del infinito, monumento a los jóvenes fallecidos durante la Primera Guerra Mundial. Conmemora el valor y el sacrificio del pueblo rumano que en 1916 se defendió de la invasión alemana. En el 2004 se terminaron unos trabajos de restauración de la obra primigenia que se encontraba deteriorada.

Estas obras se encuentran dispuestas en línea recta y son:

• La Mesa del silencio
• La Puerta del beso
• La Columna del infinito

Este conjunto escultórico simboliza la vida del ser humano.

La Mesa del silencio y la Puerta del beso se encuentran en el parque principal de la ciudad; entre las mismas se encuentran sillas también hechas por Brâncuşi y siguiendo la imaginaria línea determinada por estas dos, se llega a una de las iglesias ortodoxas de la ciudad. Continuando aún más por esta línea, se llega a la Columna del infinito (considerada su obra cumbre) ubicada también en el parque.

Legado

Algunas de sus obras alcanzaron cifras récord por una escultura. Subastadas en Christie’s en Nueva York, Danaide (de 1913) se vendió por unos 18 millones de dólares en mayo de 2002, tres años después, superó esta cifra su obra Pájaro en el espacio (de 1922), por algo más de 27 millones de dólares.

El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten. Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable.

Otro trabajo famoso de Serra es gigantesca escultura Snake (Serpiente), un trío de sinuosas hojas de acero que crean una trayectoria curva, fue establecido permanentemente en la galería más grande del Museo Guggenheim Bilbao. En 2005, el artista presento en el mismo museo, un conjunto escultórico titulado “La materia del tiempo”.entrando a formar parte de la colección del museo. Expuestas tambien de forma permanente en la sala más grande del edificio de Frank O. Gehry, siete esculturas se unen a Snake (Serpiente) , creada para la inauguración del Museo Guggenheim Bilbao, conformando una instalación que el propio autor considera la creación más importante de su carrera.^2 3 El escultor tiene una relación especial con España, aunque no siempre le ha ido tan bien en este país: en 2006, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas,Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, de 36 toneladas, “había sido perdida.” Serra realizó gratis un duplicado, que llegó al museo en diciembre de 2008 y que está expuesta al público en su colección permanente a partir de diciembre de 2009.^4 5

En el verano de 2005, volvió a San Francisco para instalar su primer trabajo público en esa ciudad. Dos láminas de acero de 50 pies de altura de 160 toneladas en el espacio abierto principal del nuevo campus de la Universidad de California en San Francisco.

En 2000 instaló el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de alto ubicada en la nueva central de Gap Inc., en San Francisco. Para animar la oxidación, los aspersores fueron ordenados inicialmente hacia las cuatro losas hechas de acero que componen el trabajo. En el bienal de Whitney, 2006, Serra demostró un dibujo simple de crayón de un preso de Abu Ghraib con el subtítulo “STOP BUSH” Esta imagen fue utilizada más adelante por el museo Whitney para hacer los carteles para la bienal. Los carteles ofrecieron una versión alterada del texto en que se leía “STOP B S”.

Abanderado del minimalismo en su primera época

A finales de los sesenta, las series Prop o Belts, la muestra Live Animal Habitat, muestran la rebeldía y originalidad de su autor, pero todavía a escala pequeña. “Lo importante de esos primeros tiempos”, explicaba Serra, “era el proceso creativo, no el resultado final. Eso me mostró cómo crear movimiento, escapar de la metáfora, de la imaginería sencilla”.

Paisajes alterados

Mientras pasaban los años, crecía su fama y el tamaño de sus obras. Galeristas como Leo Castelli, coleccionistas como Emily y Joseph Pulitzer, se interesaron por un arte que, debido a su volumen, saltó de las galerías a la calle. Las inclemencias del tiempo, la mutabilidad y la oxidación del metal encontraron perfecto refugio en la intemperie. Esculturas que modifican el entorno, cambian paisajes, otorgan a lugares y espacios una nueva identidad cultural. Serra, entonces, se erige como uno de los grandes representantes del Land Art: junto a Dennis Oppenheim, Joseph Beuys, Christo Javacheff o Robert Smithson, alteran la mirada del arte, lo alejan de la severidad museística y, por qué no, reflejan también la huella humana (casi siempre nociva) sobre la naturaleza.⁶

Como no podía ser de otra forma, compromiso y volumen artísticos le causan algunos disgustos. En 1981, su obra Arco Inclinado es instalada en la Plaza Federal de Nueva York. Con sus tres metros y medio de altura y una longitud de casi cuarenta metros (su grosor, en cambio, es de centímetros), los ciudadanos que tienen que cruzar el lugar se encuentran con una incómoda pared de metal y exigen su retirada. Una votación pública, finalmente, recomienda su traslado. Serra, que concibe cada obra en función del lugar en que quedará emplazada, no pasa por el aro y exige su destrucción. “O es ahí, o no será”, parece decir el artista. En 1989, la descomunal escultura es desmantelada y convertida en chatarra, convulsionando al escenario cultural. ¿Quién decide dónde situar el arte? ¿Los políticos? ¿La ciudadanía? ¿Los artistas? Serra, provocador, echa más leña a la hoguera: “El arte no es placentero. No es democrático. El arte no es para el pueblo”.⁶

Su obra, en cambio, desmiente tan arriesgada afirmación. No hace falta saber nada para admirar su monumentalidad. Lejos de abrumar, las medidas de sus esculturas incitan al espectador a olvidar su rol pasivo, obligándolo a tocarlas y pasear entre ellas. Ciudades de medio mundo se pelean por albergar sus creaciones: Londres, Berlín… Los franceses le entregaron su Medalla de las Artes.⁶

Instalaciones permanentes en España

• El Muro, 1984, Plaza de la Palmera, La Verneda, Barcelona.
• A matter of time, 2005, grupo escultórico de siete esculturas de acero, Museo Guggenheim, Bilbao.

• Equal-Parallel/Guernica-Bengasi (reemplazando a la de 1985, extraviada en 1992), 2009, Museo Reina Sofía, Madrid.

Aleksandr Deineka

En la Fundación Juan March se expone por primera vez las obras del artista Aleksandr Deineka, autor del realismo socialista.

Aleksandr Aleksandrovich Deyneka ( ruso : Александр Александрович Дейнека , 20 de mayo 1899, Kursk - 12 de junio de 1969,Moscú ) fue un soviético ruso pintor, artista gráfico y escultor, considerado como uno de los más importantes pintores modernistas rusos figurativa de la primera mitad del siglo 20.

Estudió en la Escuela de Arte de Kharkov (alumno de Alexander Lubimov ) y en Vkhutemas . Él era un miembro fundador de grupos comoOST y Oktyabr , y su trabajo despertó gran exposición en las grandes exposiciones. Sus pinturas y dibujos (los primeros son a menudoblanco y negro debido a la escasez de materiales de arte) representan escenas de género, así como deportes de la mano de obra y con frecuencia. Deyneka más tarde comenzó a pintar obras monumentales, como la defensa de Petrogrado en 1928, que sigue siendo su obra más emblemática, y la batalla de Sebastopol en 1942, las afueras de Moscú. Noviembre 1941 y el As Shot Down .

Sus mosaicos son una característica de la estación de metro Mayakovskaya en Moscú. Fue condecorado con la Orden de Lenin y la Orden de la Bandera Roja del Trabajo .

Está enterrado en el cementerio de Novodevichy en Moscú.

Él es más alto en la categoría “1A – un artista de fama mundial” en “ Artistas Unidos Rating ”.

Entre sus obras destacamos:

• «Tres figuras de las mujeres» , 1920
• «El Cabaret» , 1921
• «Перед спуском в шахту» , 1924
• «Fútbol» de 1924
• «Después de la lluvia. Kursk » , 1925
• «La primavera» de 1925
• «Los esquiadores» , 1926
• «Tenis» de 1926
• «На стройке новых цехов» , 1926
• «Trabajadores Textiles» de 1927
• «La Oda a la primavera» de 1927
• «La defensa de Petrogrado» , 1928, Museo Central de las Fuerzas de Defensa de la URSS, Moscú
• «Механизируем Донбасс!» (cartel), 1930
• «Китай на пути освобождения от империализма» (cartel), 1930
• «Надо стать самим специалистами» (cartel), 1930
• «Book Cover» , 1931
• «Los intervencionistas ‘Mercenary» , 1931
• «En el balcón» , 1931
• «Crosscountry Raza» de 1931
• «Una chica en la ventana. Invierno », 1931
• «Madre» , 1932, ГТГ
• «Juego de fútbol» , 1932
• «El niño dormido Con Cornflowers» , 1932
• «Mediodía» , 1932
• «El jugador de fútbol» , 1932
• «Кто кого?» , 1932
• «En los aires» , 1932
• «La Noche Paisaje con caballos y hierbas secas» , 1933
• «Las niñas Piscina» , 1933
• «Hojas secas» , 1933
• «Los niños en reposo» , 1933
• «Los comunistas en el interrogatorio» , 1933
• «Физкультурница” / “Работать, строить и не ныть!» (Cartel), 1933
• «Sin el trabajo en Berlín», 1933
• «El Muelle» , 1933
• «La Raza» de 1933
• «Corredores» de 1934
• «Los esquiadores», 1934
• «Paisaje con una manada» , 1934
• «El portero» , 1934
• «Un pionero. Kursk » , 1934
• «Pioneros de Crimea» , 1934
• «A Parachuter sobre el mar» , 1934
• «Lugar del Quirinal, en Roma», 1934
• «Las escaleras española» de 1934
• «A la calle en Roma»
• «Monjes» de 1935
• «Un motivo italiano» , 1935
• «El Parque» de 1935
• «El retrato de SIL con el sombrero de paja» , 1935
• «Tullerías», 1935
• «Quai de la Seine», 1935
• «París. En un café » , 1935
• «Une parisienne» , 1935
• «Негритянский концерт» de 1935
• «La Noche (detalle)» , 1935
• «El aburrimiento» , 1935
• «El camino hacia el Monte-Vernon» , 1935
• «Granja colectiva en una bicicleta» , 1935
• «Una Pausa para el almuerzo en el Donbass» de 1935
• «Первая пятилетка» de 1936
• «El modelo» de 1936
• «Los pilotos de futuro» , 1937
• «Los stajanovistas» de 1937
• «Mujer de rojo» de 1939
• «Las Lilas»
• «Nikitka – El primer piloto ruso» , 1940
• «La izquierda de marzo» de 1941
• «Las afueras de Moscú. Noviembre 1941 »
• «Sverdlov lugar en diciembre de 1941»
• «Tarde. Los Estanques del Patriarca, 1941 »
• «Un pueblo quemado abajo» , 1942
• «Эвакуация колхозного скота»
• «Колхозницы роют противотанковые рвы на подступах к Москве»
• «Ремонт танков на прифронтовом заводе»
• «Танки идут на фронт»
• «Наступление началось»
• «La defensa de Sebastopol» de 1942
• «El Arrollado As» de 1943
• «Mujer desnuda sentada» de 1943
• «Bajo la ocupación» de 1944
• «Expansión» , 1944
• «Por encima de la devastada Berlín» , 1944
• «Berlín. El Día de la Declaración »de 1945
• «Un estadio de Berlín», 1945
• «Cerca de Kursk. Tuskor ‘River », 1945
• «Carrera de relevos» (escultura), 1945
• «Un Boxer» (escultura), 1947
• «100 metros de la carrera» (escultura), 1947
• «La carrera de relevos en el anillo B» de 1947
• «Donbass» , 1947
• «La ventana del estudio» , 1947
• «En Sebastopol», 1947
• «Autorretrato» de 1948
• «El espacio de los sitios de construcción en Moscú», 1949
• «Los esquiadores» (mosaico) , 1950
• «Jugadores de Fútbol» (escultura), 1950
• «Перед забегом» (escultura), 1951
• «A Girl Nude» , 1951
• «Дачный поселок Кратово», 1951
• «En Sebastopol», 1947
• «En la pista de patinaje en Kratovo» , 1951
• «La doncella de la nieve» , 1954
• «La mujer acostada con una pelota», 1954
• «Naturaleza muerta. Fresas » , 1955
• «Un modelo de desnudos» , 1955
• «Los jugadores de fútbol» (escultura), 1955
• «El conductor del tractor» , 1956
• «En Sebastopol», 1956
• «Cerca de la playa» , 1956-1957
• «Poner la vacuna» (escultura), 1957
• «Голова парашютиста» (mosaico), 1957
• «Una mañana agradable» (mosaico) , 1959-1960
• «Hockey» (mosaico) , 1959-1960
• «Octubre Lemas de la Paz por la Puerta de Nevsky , 1960
• «Un ordeñador» (mosaico), 1962
• «La Guardia Roja» (mosaico), 1962
• «Una villa en Roma» , 1965
• «El joven diseñador», 1966
• «En el Sur (detalle)» , 1966
• «Владимир Маяковский в РОСТА»
• «Летнее приволье»
• «Deportista Correr» (escultura)
• «El gato y el cocinero»

Durant una exploració de rutina en un planeta distant, un explorador de l’espai jove s’enamora d’una dona pilot. Però quan les dues vagues de perill i desafortunats exploradors, que s’ha d’enfrontar amb el que s’amaga en la foscor del planeta per rescatar la noia. Making Of- vimeo.com / 28299814 dangerplanet.blogspot.com més! Planeta Perill és un curt d’animació creat per estudiants de la Universitat Adventista del Sud, a Tennessee. Aquesta animació estudiant 4 minuts es va acabar tot en un estiu després de més d’un any de preproducció. Crèdits Justin Burks, Danny Cooper, López Andrés, Wombold Chris, Batllia Brandon, Stephanie Miranda, Aaron Adams, Amégan Yannick, Stone Cassidy, Gareath Murray, Christine Turner, Beau Sherman, Matt Kidd Per a més informació poseu-vos en contacte amb juburks2000@gmail.com

Fukuyama es conocido sobre todo por haber escrito el controvertido libro El fin de la Historia y el último hombre de 1992, en el que defiende la teoría de que la historia humana como lucha entre ideologías ha concluido, ha dado inicio a un mundo basado en la política y economía neoliberal que se ha impuesto a las utopías tras el fin de la Guerra Fría. Inspirándose en Hegel y en alguno de sus exégetas del siglo XX, como Alexandre Kojève, afirma que el motor de la historia, que es el deseo de reconocimiento, el thymos platónico, se ha paralizado en la actualidad con el fracaso del régimen comunista, que demuestra que la única opción viable es el liberalismo democrático, que se constituye así en el llamado pensamiento único: las ideologías ya no son necesarias y han sido sustituidas por la Economía. Estados Unidos sería así la única realización posible del sueño marxista de una sociedad sin clases.

Pero esto no significa que ya no sucederán más cosas a través de la historia: la historia generalmente va determinada por la ciencia y ésta no ha encontrado todavía sus límites.En la actualidad sería el turno de la biología y los descubrimientos que se hagan actualmente en esta ciencia determinarán el futuro.

En la actualidad pocos académicos apoyan la hipotesis de Fukuyama. En parte debido a la emergencia de nuevos actores en laglobalización como los sujetos sociales o las regiones sub-nacionales, nuevos fenómenos internacionales como el terrorismo, nuevos procesos como la integración regional de forma más compleja, y a una fuerte oposición aparte de crítica internacional. El movimientoaltermundista como un “movimiento de movimientos” en contra del neoliberalismo a nivel global que emergió luego de la Manifestaciones contra la cumbre de la OMC en Seattle(conocida popularmente como “Batalla de Seattle”) en 1999 se ha declarado totalmente opuesto a la visión del “Fin de la Historia”, incluso ha declarado en numerosas ocasiones un “Fin del fin de la Historia” en parte basado en los éxitos parciales que ha tenido el movimiento en todo el mundo y la expansión de la tendencia de regreso a las utopías con el discurso de“Otro Mundo es Posible” que fuertemente ha influído en los gobiernos latinoamericanos de los últimos tiempos, concretamente en Bolivia y Venezuela.

Para algunos, Fukuyama es un humanista que cree en la cultura, la ciencia y la Ilustración como base moral capaz de desplazar a la religión, y que a través de los derechos humanosuniversales se puede llegar a unos deberes humanos igualmente universales.

El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1487 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos ypiernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.

De acuerdo con las notas del propio Leonardo en el Hombre de Vitruvio se dan otras relaciones:

• Una palma equivale al ancho de cuatro dedos.
• Un pie equivale al ancho de cuatro palmas (30,48 cm).
• Un antebrazo equivale al ancho de seis palmas.
• La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas).
• Un paso es igual a un antebrazo.
• La longitud de los brazos extendidos (envergadura) de un hombre es igual a su altura.
• La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre.
• La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre.
• La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre.
• La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.
• La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre.
• La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.
• La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre.
• La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre.
• La distancia de la barbilla a la nariz es un tercio de la longitud de la cara.
• La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.
• La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara.
• La distancia desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla es la cuarta parte del hombre.
• La distancia desde debajo de la rodilla hasta el inicio de los genitales es la cuarta parte del hombre.
• El inicio de los genitales marca la mitad de la altura del hombre.

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros delRenacimiento.

El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.

Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de los brazos y piernas crea realmente dieciséis (16) posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Los datos del satélite confirman que la banquisa boreal, la capa de hielo que cubre el océano Artico, está a punto de batir un récord de poca extensión.

La desaparición del hielo en las regiones árticas puede ser una catástrofe ambiental, pero al mismo tiempo estimular nuevas rutas comerciales y oportunidades de exploración de petróleo, gas y otros recursos naturales, especialmente por parte de Rusia. Si el paso del Ártico por Canadá está debilitado, en el otro extremo del círculo polar ya ha dejado de ser novedoso la apertura de las vías de navegación en los meses estivales. Desde julio, por ejemplo, se puede transitar entre Murmansk y Vladivostok, desde el Atlántico hasta el Pacífico, con menos de un 15% de hielo en los peores tramos. 

Alain Connes – “Espace-temps, nombres premiers, deux défis pour la géométrie” from Francois Tisseyre on Vimeo.